Simulation orchestrale

Idéalement, travailler sur un ordinateur avec 32 GB de mémoire RAM, un processeur de 2.2 GHz, et un SSD externe pour les banques de sons. Autrement, freezer certaines pistes lorsque l’ordinateur a de la difficulté à jouer la simulation.
Commencer par se procurer des banques de sons d’orchestre complètes (ex : le Composer Cloud de East-West ou le BBC Symphony Orchestra de Spitfire) puis se procurer des banques de sons plus spécifiques pour complémenter.
Connaître les forces et les faiblesses de ses banques de sons.
Composer en fonction des banques de sons, pas nécessairement en fonction de ce qui sonnerait bien si c’était joué par de vrais musiciens (ex : un thème aux violons en notes longues, accompagné par une section complète de cordes en notes courtes).

Avoir une session template très minimale (ex : un auxiliaire de reverb, un limiter sur le master, etc.) sans instrument virtuel (à l’exception d’un piano). Faire de nombreuses track templates. Ceci limitera les pistes inutilisées.
Organiser les pistes par sous-groupes, dans des dossiers clairement identifiés.
Spatialiser (panning) les instruments comme leur placement dans l’orchestre (ex : les violons à gauche et les violoncelles à droite)
Favoriser le mode legato, les différentes articulations et les effets préenregistrés de performance (ex : crescendo, fp, trill, etc.)
Certains instruments virtuels gagnent à n’avoir qu’une seule piste et de multiples keyswitch (ex : certains bois). D’autres instruments virtuels gagnent à avoir plusieurs pistes, où chaque piste n’a qu’une seule articulation (ex: certains cuivres).
Avoir un système consistent pour gérer les changements d’articulations (ex : les mêmes keyswitch d’un instrument à l’autre), afin de pouvoir rapidement copier du contenu d’une piste à l’autre.
Enregistrer la session en folder (pas en package) afin de sauver de l’espace. Faire plusieurs versions différentes de votre session à mesure que vous composez, afin de pouvoir facilement revenir à une version antérieure si nécessaire.

Enregistrer chaque partie individuellement dans le séquenceur en les jouant au clavier.
Varier les vélocités : par courbes de modulation pour les notes soutenues et par la force d’attaque pour les notes non-soutenue.
Lorsque possible, copier les automations d’une piste à l’autre, sans en copier les notes (ou vice-versa), afin de sauver du temps.
S’il y a quantize (ou du copier/coller), ajouter du humanize, afin que la performance sonne moins mécanique.
S’assurer que les pistes et les clips MIDI ont le même nom et la même couleur (« shift + alt + n » et « shift + alt + c »)
Identifier la progression harmonique de la pièce avec des marqueurs.

Si possible remplacer et/ou doubler les parties importantes de la composition avec des enregistrements de vrais instruments.
Préparer le contenu d’une session DAW avant d’en exporter un fichier MIDI (ou XML) vers l’éditeur de partition (ex : quantifier le rythme et corriger les chevauchements de notes).

Pour approfondir vos connaissances en simulation orchestrale, consultez la page Ressources de composition et orchestration.